Artiglierie Arsenale 2010 Photo: Giulio Squillacciotti Courtesy: la Biennale di Venezia
Pavilion of the Principality of Andorra
Pavilion of the Principality of Andorra at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia (First official participation)
Title of the exhibition: Beyond Vision
Exhibitors: Helena Guàrdia Ribó, Francisco Sánchez Sánchez
Commissioners: Pedro de Sancristóval y Múrua. Deputy commissioners: Joan Gil Gregório, Ermengol Puig Tàpies, Francesc Rodríguez Rossa
Curators: Paolo De Grandis, Josep M. Ubach Bernada
Coordinator in Venice: Carlotta Scarpa, Arte Communications Coordinator in Andorra: Montse Coma Areny
Venue: Chiesa di San Samuele, Campo San Samuele, Venice (San Samuele boat station / line 2)
The Andorran Government, through the Ministry of Culture, is taking part in the 54. International Art Exhibition for the first time, and is doing so with works by two Andorran artists who share a common denominator: “analysing aspects to do with the boundaries of perception”.
The artist Helena Guàrdia, using photographs worked with techniques taken from the artisanal world, questions the attitudes of passive spectators. Francisco Sánchez, with his paintings, emphasizes the great dislocation existing between technology and people. The biggest gap there has ever been.
Under the general title, “ILLUMInations”, proposed by Bice Curiger, director of this edition, for the purpose of creating convergence between the many contributions, the Andorran artists give this word of many meanings the poetic idea of: “creating new life or new meanings”.
There is evidence that technique and modernity, with their codifications, have been introducing and imposing visual habits which are typified by their immediate impact, rapidity in time and the slight requirement for reflection. At the same time, there are proposals which, in being outside the subtle limits of visual perception, intend, and achieve, a slowing-down in the observation of a work. With this method, or with others similar, they soothe the rapid glance, help to overcome the monotony of accepted reality, make the reflective power of the mind flourish, encourage the culture of research and invite the reconstruction of visual icons in order to extract new meanings from them. The culminating and most intense moment in the artist–viewer binomial comes when the second, seeking sense in what the work of the first suggests, enjoys discovering new meanings and trying out his or her own approach. The artistic capacity of the viewer is measured by the challenge of taking on a sincere and creative dialogue with the work.
The two Andorran artists contributing to the 54. International Art Exhibition – la Biennale di Venezia are supporters of these notions. With “La ciutat flotant” (The floating city) artist Helena Guàrdia ruthlessly shakes up original images – which portray reality – dissolves their classical message, knocks down their well recognized iconography and, instead, proposes open narratives which, on the one hand, evidence the limitations of mechanisms of visual perception and, on the other, make possible a new vision and a new understanding of known spaces. In “L’efímer i l’etern” (The ephemeral and the eternal), a triptych which also works as an installation, Francisco Sánchez seeks to reflect, captivated by the quantic field, a microcosm which encapsulates the whole universe. A preoccupation which leads him to raise concepts more proper to science than to art. For the artist, the world is formed by contained information, by energy which vibrates at different frequencies. Observation is what converts possibility into reality.
Pedro de Sancristóval y Múrua – Commissioner
Information: T. +39 0415264546 F. +39 0412769056
www.artecommunications.com / pressoffice@artecommunications.com
CULTURAL EVENTS SINCE 1984
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The People’s Republic of Bangladesh Pavilion
The People’s Republic of Bangladesh Pavilion at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
Title of the Exhibition: ‘Parables / Parabole’ – Five Bangladeshi artists interpret contemporary cultural difference
Exhibitors: Promotesh Das Pulak, Kabir Ahmed Masum Chisty, Imran Hossain Piplu, Mahbubur Rahman e Tayeba Begum Lipi
Commissioners: Fiona Biggiero (Italy) and Tayeba Begum Lipi (Bangladesh)
Curators: Paolo W. Tamburella & Mary Angela Schroth
Venue: Gervasuti Foundation, Fondamenta S. Ana (Via Garibaldi), Castello 993, between Giardini e Arsenale
The People’s Republic of Bangladesh is a young nation with an ancient culture. Sitting at the head of the largest delta in the world, Bangladesh is the centre of many cultures and shares remarkable histories. ‘Parables’ is an unprecedented project that marks the opening of the first Bangladesh Pavilion and represents the first participation of the People’s Republic of Bangladesh in the International Art Exhibition at la Biennale di Venezia. Furthermore this event occurs during an important year for one of the youngest, most vibrant and fastest growing countries in South Asia celebrating the 40th Anniversary of Bangladesh’s Independence. Five renowned representatives of the lively Bangladesh art scene, who live and work in Dhaka – Promotesh Das Pulak, Kabir Ahmed Masum Chisty, Imran Hossain Piplu, Mahbubur Rahman and Tayeba Begum Lipi – have conceived and produced site-specific installations, utilizing the local Venetian architecture, and the history of the Gervasuti Foundation, to explore universal contemporary political, environmental and social concerns, beginning from their own personal, native symbolism and history. ‘Parables’ is an experimental exhibition project that focuses on the unspoken and implicit power underlying the notion of universal truths through art practice. The word ‘Parable’ evokes the origin of the action of drawing comparisons– to juxtapose a familiar concept beside an unfamiliar idea, a process of association that is meaningful in itself and ultimately helps to understand that which is unfamiliar or unknown. Distinct from the conventional and traditional use of parables, which often illustrate a prescriptive subtexts related to a spiritual dimension, a moral attitude or a religious principle, the theme ‘parables’ is used to sketch a scene and set a narrative in order to link and compare different cultural concerns and contexts – a bridge both illuminating and distinguishing two distinct geographical locations.
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Pavilion of India
Pavilion of India at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
Title of the exhibition: Everyone Agrees: It’s About to Explode …….
Exhibitors: Zarina Hashmi, Praneet Soi, Gigi Scaria and The Desire Machine Collective (Sonal Jain and Mriganka Madhukaillya)
Commissioner: Ranjit Hoskote
Curator: Ranjit Hoskote
Venue: Arsenale (Artiglierie)
Lalit Kala Akademi, New Delhi (India’s National Academy of Art) participation in the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
The historic occasion of India’s first-ever National Pavilion at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia — which will be organized by the Lalit Kala Akademi, India’s National Academy of Art, and curated by cultural theorist and poet Ranjit Hoskote — provides an opportunity to stretch the idea of India. This pavilion will approach that idea through the tropes of transcultural practice, migration and cross-pollination. Indeed, this pavilion is intended to serve as a laboratory in which we will test out certain key propositions concerning the contemporary Indian art scene. Through it, we could view India as a conceptual entity that is not only territorially based, but is also extensive in a global space of the imagination.
Hoskote’s aim, in making his selection of artists, is to represent a set of conceptually rigorous and aesthetically rich artistic practices that are staged in parallel to the art market. Furthermore, these have not already been valorized by the gallery system and the auction-house circuit.
The Indian manifestation will also focus on artistic positions that emphasize the cross-cultural nature of contemporary artistic production: some of the most significant art that is being created today draws on a diversity of locations, and different economies of image-making and varied cultural histories.
The four artists/ artist groups chosen to represent India in this pavilion are:
1. Zarina Hashmi (print-maker and mixed-media artist; born in Aligarh, 1937; now lives and works in New York)
2. Praneet Soi (painter, sculptor, video artist; born in Kolkata, 1971; now lives and works in Amsterdam and Kolkata)
3. Gigi Scaria (painter, sculptor, video artist; born in Kothanalloor, Kerala, 1973; now lives in New Delhi)
4. The Desire Machine Collective (Sonal Jain, born in Shillong in 1975, and Mriganka Madhukaillya, born in Guwahati in 1978; DMC is a media collective based in Guwahati, Assam, and works across film, installation and public space projects)
These artistic positions have been chosen after considerable deliberation, for their outstanding merit as contemporary artists, as well as because they articulate diverse ideascapes and constituencies, which is vital when mandated with making decisions that reflect India’s vast plurality.
These artists are transcultural in the range of their conceptions and their practice, yet anchored in a strong commitment to the specific historical dynamic of South Asia. Taken together, they embody impulses from diverse regional modalities, religious lineages, sub-cultural locations, aesthetic choices, and philosophical perspectives, within the larger formation of India.
The Lalit Kala Akademi has been in the forefront of upholding and showcasing the visual richness of India through such occasions. The Akademi has, to its credit, the mandate of organizing a major periodic festival of the visual arts, the Triennale India, founded in 1968 by the visionary writer and critic, Mulk Raj Anand as India’s contribution to the creation of a global art-historical discourse presented from a non-Western perspective. Triennale India has been manifested through 11 successful editions.
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Pavilion of Iraq
Iraq’s experimental contemporary artists have never had a chance to present their work for an Iraq Pavilion at the Biennale di Venezia; the first and last major appearance in 1976 outlined only some of their “modern” artists. The Iraq Pavilion for 2011 will indeed show the world an exciting professionally-curated selection of 6 Iraqi artists from two generations, including various artistic media (painting, performance, video, photography, sculpture/installation).
Ali Assaf, Commissioner for the Pavilion of Iraq 2011
Pavilion of Iraq at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
Title of the exhibition: Acqua Ferita / Wounded Water. Six Iraqi Artists interpret the theme of water
Commissioner: Ali Assaf
Co-Commissioner: Vittorio Urbani
Curator: Mary Angela Schroth
Organization: Nouva Icona and Sala 1. Media Partner: Canvas Magazine
In collaboration with: Embassy of Iraq in Italy, Iraq UN Representation in Rome, Iraq Ministry of Culture, Arab Fund for Arts and Culture, MerchantBridge Bank and the Iraq Pavilion Patrons Committee.
Venue: Gervasuti Foundation, Fondamenta S. Ana (Via Garibaldi), Castello 995, between Giardini and Arsenale
Opening to the Public: June 4, 2011. Closes Nov. 27, 2011, 10-6 pm daily except Mondays
Press Preview: June 2, 2011 from 7 to 9 pm
These are extraordinary times for Iraq. The project to create an official country Pavilion for the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia is a multiple and participatory work in progress since 2004. It is historically coming at a period of great renewal after more than 30 years of war and conflict in that country.
The Pavilion of Iraq will feature six internationally-known contemporary Iraqi artists who are emblematic in their individual experimental artistic research, a result of both living inside and outside their country. These artists, studying at the Fine Arts Academy in Baghdad, completed their arts studies in Europe and USA. They represent two generations: one, born in the early 1950’s, has experienced both the political instability and the cultural richness of that period in Iraq. Ali Assaf, Azad Nanakeli and Walid Siti came of age in the 1970’s during the period of the creation of political socialism that marked their background. The second generation, to include Adel Abidin, Ahmed Alsoudani and Halim Al Karim, grew up during the drama of the Iran-Iraq war (1980-1988), the invasion of Kuwait, overwhelming UN economic sanctions and subsequent artistic isolation. This generation of artists exited the country before the 2003 invasion, finding refuge in Europe and USA by sheer fortune coupled with the artistic virtue of their work. All six artists thus have identities indubitably forged with contemporary artistic practice that unites the global situation with the Iraqi experience and they represent a sophisticated and experimental approach that is completely international in scope.
The six artists will execute works on site that are inspired by both the Gervasuti Foundation spaces and the thematic choice of water. This is a timely interpretation since the lack of water is a primary source of emergency in Iraq, more than civil war and terrorism. A special video section will feature artists living and working in Iraq today, curated by Rijin Sahakian.
The Pavilion of Iraq has been produced thanks to Shwan I. Taha and Reem Shather-Kubba/Patrons Committee, MerchantBridge Bank, corporate and individual contributors, various Iraqi government agencies and a major grant from the Arab Fund for Arts and Culture. Honorary Patron is the architect Zaha Hadid.
For info: www.pavilionofiraq.org T. +39 067008691 F. +39 3392397762 (Sala 1) T. +39 335320548 (Nuova Icona)
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Pavilion of the Kingdom of Saudi Arabia
Pavilion of the Kingdom of Saudi Arabia at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
Title of the exhibition: The Black Arch
Exhibitors: Raja and Shadia Alem
Commissioners: Dr. Abdulaziz Alsebail
Curators: Mona Khazindar and Robin Start
Venue: Arsenale
Raja and Shadia Alem will represent the Kingdom of Saudi Arabia for its debut participation at la Biennale di Venezia.
Dr. Abdulaziz Alsebail, Commissioner, is pleased to announce that Shadia and Raja Alem will represent the Kingdom of Saudi Arabia for its inaugural pavilion – 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia. Mona Khazindar[1] and Robin Start[2] will curate The Black Arch, an installation by the two artists.
The work of Shadia and Raja Alem can be read as a double narrative. Raja the writer, and Shadia the visual artist, have a unique and non-traditional artist’s background. While having had a classical and literary education the sisters acquired knowledge through their encounters with pilgrims visiting Mecca. Their family has welcomed pilgrims into their home during the Hadj for generations. Since the mid 1980s, the sisters have travelled the world for exhibitions, lectures, and for the general exploration and appreciation of art and literature, and in some way seeking the origins of cultures and civilizations that sparked their imagination through the stories of the visitors to Mecca throughout their childhood.
The Black Arch has been created through a profound collaboration between Shadia and Raja Alem. It is very much about a meeting point of the two artists; of two visions of the world; from darkness to light, and of two cities – Mecca and Venice. The work is a stage, set to project the artists’ collective memory of Black – the monumental absence of colour – and physical representation of Black, referring to their past. The narrative is fueled by the inspirational tales told by their aunts and grandmothers, and are anchored in Mecca, where the sisters grew up in the 1970s. The experience with the physical presence of Black is striking for the artists as Raja explains, “I grew up aware of the physical presence of Black all around, the black silhouettes of Saudi women, the black cloth of the Al ka’ba[3] and the black stone[4] which supposedly is said to have enhanced our knowledge.” As a counter point, the second part of the installation is a mirror image, reflecting the present. These are the aesthetic parameters of the work.
The Black Arch is also about a journey, about transition; inspired by Marco Polo and fellow thirteenth-century traveler Ibn Battuta – both examples of how cultures were bridged together through travel. Shadia explains how she felt a desire to follow Marco Polo’s example and “to bring my city of Mecca to Venice, through objects brought from there: a Black Arch; a cubic city, and a handful of Muzdalifah pebbles.[5]” The artists focus on the similarities between the two cosmopolitan cities and their inspirational powers.
Info: Brunswick Arts: Amy de Leusse T. + 33 1 53 96 83 91 / e-mail : adeleusse@brunswickgroup.com
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Pavilion of South Africa
Pavilion of South Africa at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
Title of the exhibition: Desire: Ideal Narratives in Contemporary South African Art
Exhibitors: Zwelethu Mthethwa, Mary Sibande, Siemon Allen, Lyndi Sales
Commissioner: Lethole Mokoena
Curator: Thembinkosi Goniwe
Venue: Torre di Porta Nuova, Arsenale Nuovissimo
This exhibition features four South African artists whose work explores a range of realities, memories and fantasies. The artists produce imaginary truths or rather ideal narratives that reflect on South Africa, a country that is simultaneously adored and detested. South Africa is a specific cultural geography desired and envied due to both its violent inhuman history and the current democratic transformation thriving to foster human values of equality, respect and dignity.
Such contrasting attitudes toward South Africa also owe to the irreconcilable discrepancies between the country’s wealth and poverty, the beauty of nature and distasteful wellbeing-ness of poor people. These discrepant conditions dictated by politics and economic factors make democratic South Africa very curious, thus a subject of interrogation to artists, curators and scholars. Yet, there are artists who mission not to only reflect on the dark side of South Africa. These artists produce work that illuminates positive thoughts and experiences. Their affirmative work is not simply passive but rather reflective on examining the politics of humanity, quality of life, various human senses and emotions.
These artists have rendered post-apartheid South Africa a site to explore ideals of beauty, pleasure, democracy and freedom. They do so in intimate ways that are irreducible to political rhetoric or ideological stance. Their work is charged, like South Africa it-self, with emotion even if their aesthetic language and representational strategies are conceptual and abstract in form. Desire is an exhibition in which the four artists’ work provides differentiated avenues to re-think the ideals and experiences promised by democracy. The project takes desire to mean yearning and need, the necessity to realize that which individuals do not have but are longing for. In a word, the notion desire is a state of both lack and the elementary motivating factor of human actions and deeds. It speaks to crisis and realization.
The world at large deserves to witness and share these ideals as they are inherent in South Africa’s artistic practice, and the curated exhibition Desire will provide such a window into South Africa as seen through the prism of the 2011 Venice Biennale. The exhibition will be a site to contemplate the openness and limits of democracy in ways in which politics of hope and delight are explored. Such a thematic approach speaks to the gifts South Africa has and should share with the world at large. The Venice Biennale is an appropriate international forum for South African artists and curators to share and engage with what their country has offered them, a gift of making possible democratic ideals. The Venice Biennale, with its long history of art, is one of the platforms that enables global participation and contribution of artists, curators, scholars from diverse national backgrounds. To participate in Venice signifies not only recognition and respect but also global interactions and relationships. Exhibiting in the Venice Biennale means visible existence in the world of cultural productions and artistic innovations. Thus South Africa’s participation in the Venice Biennale is important as it will afford the country the opportunity to make visible its own cultural production and artistic aspirations, affording its artists, curators and scholars to display and reflect on the country’s creative wealth and intellectual innovations. And South Africa has the means to both participate and contribute to the making of global history of art, of which artists, curators and scholars are given the global platform to take stock of their national creation and heritage. South Africa’s participation, through re-establishing a pavilion in the Venice Biennale won’t be new or for the first time, but a refreshing return since the country was ostracized due to its apartheid race laws. What is significant about this refreshing return is the fact that South Africa will be one of the very few African countries to have a national pavilion, thus joining Egypt which has maintained a national pavilion since the inception of the Venice Biennale. In this regard, South Africa’s pavilion will contribute to making visibly present what has come to be the virtual absence of national pavilions from Africa, a continent comprised of more than fifty countries.
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Pavilion of Zimbabwe
Pavilion of Zimbabwe at the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia
Title of the exhibition: “Seeing Ourselves: Questioning our geographical landscape and the space we occupy from yesterday, today and tomorrow”
Exhibitors: Tapfuma Gutsa, Misheck Masamvu, Berry Bickle and Calvin Dondo
Commissioner: Mrs. Doreen Sibanda
Curator: Raphael Chikukwa
Venue: Church of Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello 3701
The exhibition is commissioned by Doreen Sibanda, Director of the National Gallery of Zimbabwe, and curated by Raphael Chikukwa, Curator at the National Gallery of Zimbabwe. It features the work of four artists: Berry Bickle; Calvin Dondo; Misheck Masamvu and Tapfuma Gutsa and works will be presented in the mediums of painting, photography, video installation and sculpture. This diverse group of artists through their works will examine the exhibition theme “Seeing Ourselves: Questioning our geographical landscape and the space we occupy from yesterday, today and tomorrow”. As they say in the proverb that, seeing is believing, that is, you need to see something before you can accept that it really exists. “Seeing Ourselves”, seeks to explore Zimbabwe’s artistic practices that are innovative, self –reflective and critical.
This creates new positions and challenging questions that asks, “What is contemporary Zimbabwean art”? Zimbabwean Pavilion exhibition will challenge ‘faulty/false’ constructs of the past, present and future, by presenting evidence of previously unacknowledged realities/narratives through contemporary voices. It is in the Curators hope that these artist’s works at the 54th International Art Exhibition la Biennale di Venenzia will unclock the dialogue between Zimbabwe and the international art scene. These artists did not only limit themselves to the Zimbabwean issues but they also looked at the global issues. Zimbabwe’s narrative is to be able to tell its own story using this international platform. The politics of the day have changed and many artists have been exposed to diverse influences and they have influenced others too. After having been dominated by our own sculpture movement for the past fifty years, today things have changed: artists are tapping into new medium although sculpture is a movement that is here to stay. Our Zimbabwean story might not be different from the other African countries but it’s unique.
“The Zimbabwe Pavilion at the 54th International Art Exhibition la Biennale di Venezia is pivotal in establishing a platform after the isolation of many years. The Zimbabwean pavilion will provide a rare opportunity to spark discussions about the role of artists in a society. Zimbabwe has been a Zone of Silence with little access to the platforms of exchange through which it can communicate. It is in this view that a Zimbabwean Pavilion at the 54th International Art Exhibition la Biennale di Venezia will break the silence.”
Information: National Gallery of Zimbabwe – www.nationalgallery.co.zw
T. +263 4 704666/7 or +263 4 724391/2 F. + 263 4 704668
[1] Curator of the department of contemporary art and photography at the Institut du Monde Arabe, Paris
[2] Art advisor, curator and modern and contemporary Arab art expert
[3] The Ka’ba is a cubic building located within the courtyard of al-Haram Mosque in Mecca, Saudi Arabia. The Ka’ba is the holiest site in Islam; the qibla, the direction Muslims face during prayer, is the direction facing the Ka’ba.
[4] The Ka’ba houses the Black Stone, a Muslim relic in the time of the Prophet Muhammad and pilgrims to Mecca try to stop and kiss it while circumambulating the Ka’ba during the hajj.
[5] Muzdalifah is a valley between Mina and Mount Arafat in which pilgrims on Hajj spend the night in the open. It is here they gather pebbles to hurl at the pillars of Mina.
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Padiglione del Principato di Andorra
Padiglione del Principato di Andorra alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia (prima partecipazione ufficiale)
Titolo della Mostra: Oltre la visione
Artisti Partecipanti: Helena Guàrdia Ribó; Francisco Sánchez Sánchez
Commissario: Pedro de Sancristóval y Múrua Commissari aggiunti: Joan Gil Gregório, Ermengol Puig Tàpies, Francesc Rodríguez Rossa
Curatori: Paolo De Grandis, Josep M. Ubach Bernada
Coordinamento a Venezia: Carlotta Scarpa, Arte Communications Montse Coma ArenyCoordinamento in Andorra:
Sede: Chiesa di San Samuele, Campo San Samuele, Venezia (fermata vaporetto S. Samuele / linea 2)
Il Governo di Andorra partecipa per la prima volta, attraverso il proprio Ministero della Cultura, alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte e lo fa per mezzo delle creazioni di due artisti andorrani, la cui opera si esprime sotto un comune denominatore: “l’analisi degli aspetti legati alla soglia della percezione”.
L’artista Helena Guàrdia, per via di fotografie manipolate con delle tecniche vicine a quelle dell’artigianato, mette in questione l’attegiamento degli spettatori passivi. Francisco Sánchez solleva, con i propri dipinti, l’argomento dell’importante sfasamento tra tecnologia e persone. Anzi, il più grande della storia.
Il termine generale “ILLUMInazioni” proposto da Bice Curiger, Direttrice della presente edizione della Biennale, va alla ricerca della connessione tra le molteplici partecipazioni alla mostra. Gli artisti andorrani aggiungono ormai, alla polisemia di quel termine, la poetica accezione “creare nuova vita oppure nuovi significati”. È ormai evidente che il concetto di tecnica e quello di modernità, ognuno con le proprie codificazioni, hanno man mano introdotto ed imposto delle pratiche visuali caratterizzate dallo scontro immediato, dalla celerità temporanea nonché da una scarsa esigenza riflessiva. Ciò nonostante, sussistono certe proposte artistiche che, nel piazzarsi oltre i sottili confini della percezione visuale, pretendono e, d’altronde, ci riescono, di rallentare il tempo di osservazione di un’opera. Tramite questo metodo, oppure altri che si somigliano, gli artisti decelerano gli sguardi veloci, persuadono ad andare oltre la monotonia che si attacca alla realtà già assunta, fanno salire in superficie il potere riflessivo della mente, promuovono la cultura della ricerca ed invitano, finalmente, a ricreare delle icone visuali oppure a ricavarne nuovi sensi. Il momento algido, quello di maggior tensione nel binomio tra artista e spettatore sorge quando quest’ultimo, alla ricerca del significato nella creazione del primo, suggerisce, si diletta scoprendone nuovi sensi e ponendo persino le proprie impostazioni. La capacità artistica dello spettatore viene quindi misurata per la sfida di assumere un dialogo sincero e creativo con l’opera dell’artista.
I due artisti andorrani che partecipano alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia sono compartecipi di questa metodologia nelle loro creazioni. L’artista Helena Guàrdia e la sua “La ciutat flotant” scuote spietatamente le immagini originali –quelle fornite dalla realtà – ne scioglie il messaggio classico, ne svigorisce le iconografie più conosciute e propone, al loro posto, delle narrative aperte che, da una parte, evidenziano le limitazioni dei meccanismi della percezione visuale e, da un’altra, suggeriscono l’esistenza di una nuova visione, una nuova consapevolezza degli spazi che sono a noi noti. Nella creazione “L’efímer i l’etern”, trittico nelle vesti di impianto, l’artista Francisco Sánchez prova a riflettere, affascinato dall’ambito quantico, un microcosmo inglobando l’insieme dell’universo. Questa inquietudine lo trascina fino al punto di porsi concetti che si avvicinano alla scienza più dell’arte stessa. L’artista mostra un mondo costituito da un’informazione trattenuta, da un’energia che vibra a frequenze variabili. L’osservazione fa diventare il possibile in tangibile.
Pedro de Sancristóval y Múrua
Commissario
Informazioni: T. +39 0415264546 F. +39 0412769056
www.artecommunications.com / pressoffice@artecommunications.com
CULTURAL EVENTS SINCE 1984
Padiglione del Regno dell’Arabia Saudita
Padiglione del Regno dell’Arabia Saudita alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia
Titolo dell’Esposizione: The Black Arch
Espositori: Raja and Shadia Alem
Commissari: Dr. Abdulaziz Alsebail
Curatori: Mona Khazindar and Robin Start
Sede: Arsenale
Raja e Shadia Alem rappresenteranno il Regno dell’Arabia Saudita nella sua prima partecipazione alla Biennale di Venezia.
Abdulaziz Alsebail, Sovrintendente e Viceministro della Cultura del Regno dell’Arabia Saudita, è lieto di annunciare che Shadia e Raja Alem rappresenteranno il Regno dell’Arabia Saudita nel suo primo padiglione alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia. Mona Khazindar[1] e Robin Start[2] saranno i curatori dell’opera The Black Arch, un’installazione delle due artiste.
Il lavoro di Shadia e Raja Alem può essere letto come una narrazione a due voci. La scrittrice Raja e l’artista Shadia hanno un background artistico originale e tutt’altro che tradizionale. Durante il periodo della formazione classica e letteraria, le due sorelle hanno arricchito le loro conoscenze attraverso gli incontri con fedeli in pellegrinaggio alla Mecca. Per generazioni la loro famiglia ha accolto nella propria casa pellegrini in occasione dello Hadj. A partire dalla metà degli anni Ottanta le due sorelle hanno viaggiato in varie parti del mondo per recarsi a mostre e conferenze e per conoscere e comprendere le origini delle culture e delle civiltà che attraverso i racconti dei visitatori della Mecca avevano stimolato la loro immaginazione durante l’infanzia.
The Black Arch, “L’arco nero”, frutto di un’intensa collaborazione tra Shadia e Raja Alem, riguarda essenzialmente l’incontro delle due artiste, di due visioni del mondo, prima e dopo la luce, e di due città, la Mecca e Venezia. Le artiste hanno concepito l’opera come un palcoscenico sul quale proiettare la loro memoria collettiva del Nero, vasta assenza di colore, e la rappresentazione fisica del Nero, che allude al loro passato. La narrazione trae ispirazione dai racconti delle zie e delle nonne delle due artiste ed è tutta ambientata alla Mecca, dove le due sorelle sono cresciute negli anni Settanta. Per le due artiste l’esperienza della presenza fisica del Nero è potente; Raja spiega: “Sono cresciuta nella consapevolezza della presenza fisica del Nero tutt’attorno a me, le sagome nere delle donne saudite, il telo nero della Ka’ba,[3] la casa di Dio, e la pietra nera[4] che, secondo la credenza, ha accresciuto la nostra conoscenza.” Il secondo aspetto dell’installazione che funge da contrappunto, è un’immagine nello specchio che riflette il presente. Sono questi i parametri estetici del lavoro.
The Black Arch riguarda anche un viaggio, una transizione, e trae ispirazione da Marco Polo e da un viaggiatore del XIV secolo, Ibn Battuta entrambi esempi di come si possa creare un ponte tra culture tramite il viaggio. Shadia spiega di aver provato il desiderio di seguire l’esempio di Marco Polo, “portando La Mecca a Venezia, tramite oggetti provenienti dalla mia città: un Arco Nero, una città cubica e una manciata di ciottoli di Muzdalifah.[5]” Le artiste si concentrano sulle somiglianze tra le due città cosmopolite e sulla loro capacità ispiratrice.
Info: Brunswick Arts: Amy de Leusse Tel : + 33 1 53 96 83 91 / e-mail : adeleusse@brunswickgroup.com
[1] Curatrice del Dipartimento di arte contemporanea e fotografia dell’Institut du Monde Arabedi Parigi.
[2] Consulente artistico, curatore ed esperto di arte moderna e contemporanea.
[3] La Ka’ba è una costruzione situata nella corte interna della Moschea al- harām (“la sacra”) della Mecca. Si tratta del luogo più sacro dell’Islam; la qibla, cioè la direzione verso la quale si rivolgono i fedeli quando pregano, è proprio la direzione in cui si trova la Ka’ba.
[4] Nella Ka’ba si trova la Pietra Nera, un cimelio musulmano all’epoca del profeta Maometto. I fedeli in pellegrinaggio (Hajj) cercano di fermarsi a baciare la pietra durante le rituali circumambulazioni attorno alla Ka’ba.
[5] Muzdalifah è una valle situata tra Mina e Monte Arafat, dove i fedeli impegnati nello Hajj trascorrono la notte all’aperto. È questo il luogo dove raccolgono piccoli sassi da lanciare contro le steli di Mina.
Padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh
Il padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia
Titolo dell’esposizione: ‘Parables / Parabole’ – Cinque artisti del Bangladesh interpretano differenze culturali contemporanee
Espositori: Promotesh Das Pulak, Kabir Ahmed Masum Chisty, Imran Hossain Piplu, Mahbubur
Rahman e Tayeba Begum Lipi
Commissari: Fiona Biggiero (Italia) & Tayeba Begum Lipi (Bangladesh)
A cura di: Paolo W. Tamburella & Mary Angela Schroth
Sede: Fondazione Gervasuti, Fondamenta S. Ana (Via Garibaldi) Castello 993, tra Giardini & Arsenale
La Repubblica Popolare del Bangladesh è una nazione giovane ma con una ricca e antica cultura. Un paese situato sulla bocca del delta più grande del mondo, una posizione particolare che ha reso questo paese crocevia di culture e storie diverse. Il progetto artistico ‘Parables / Parabole’ è un iniziativa straordinaria che permette alla Repubblica Popolare del Bangladesh di partecipare per la prima volta all’ Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia con un suo Padiglione Nazionale. Un’occasione inedita per un paese tra i più dinamici dell’Asia che festeggia così i quaranta anni della sua indipendenza.
Cinque artisti Bengalesi rappresentanti di una sempre più vivace scena artistica locale Promotesh Das Pulak, Kabir Ahmed Masum Chisty, Imran Hossain Piplu, Mahbubur Rahman e Tayeba Begum Lipi che vivono e lavorano nella capitale Dhaka.
Ogni artista ha concepito e creato un’installazione site – specific rispetto al contesto architettonico e storico della Gervasuti Foundation e della stessa città di Venezia, esplorando interessi universali e contemporanei, tra riflessioni politiche, ambientali, e sociali, che hanno sempre come punto di partenza le radici, le storie personali e simboliche di ognuno. ‘Parabole’ è un progetto-mostra sperimentale che si focalizza attraverso l’intervento artistico, sul concetto e sulla possibilità delle verità universali e del loro potere implicito e nascosto. ‘Parabole’ è un termine che storicamente riporta ad un’azione: mettere a confronto una cosa o un’idea nota con una ignota, attraverso associazioni di pensiero che aiutano a comprendere ciò che prima era oscuro o irriconoscibile. Tradizionalmente note per la loro capacità evocativa di significati nascosti, le parabole sono spesso utilizzate in riferimento a una dimensione spirituale, a un atteggiamento morale o a un principio religioso. L’intenzione qui è di utilizzare le ‘Parabole’ come strumenti per descrivere una narrazione, per segnare i punti di una scena, così da creare un collegamento tra riflessioni culturali diverse su problematiche comuni – una parabola che diventa un ponte che nel contempo sottolinea ma illumina della stessa luce posizioni distinte geografiche e concettuali.
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Padiglione di Haiti
Padiglione di Haiti alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia (prima partecipazione ufficiale)
Titolo della Mostra: DEATH AND FERTILITY
Artisti Partecipanti: Jean Hérard Celeur, André Eugène, Claude Saintilus
Commissario: Pedro de Sancristóval y Múrua
Curatore: Daniele Geminiani Curatore aggiunto: Leah Gordon
Comitato scientifico: Donald John Cosentino, Leah Gordon
Project Manager: Mary Zurigo
Il Ministero della Cultura e Comunicazione della Repubblica di Haiti è lieto di annunciare che quest’anno, per la prima volta, la Biennale di Venezia, vedrà la partecipazione nazionale di Haiti.
Il padiglione di Haiti presenterà due interventi curatoriali paralleli: Haïti Royaume de ce Monde (Haiti reame di questo mondo), una mostra itinerante a cura dell’haitiano Giscard Bouchotte, che esporrà opere di 15 artisti residenti ad Haiti e nella Diaspora, ed un intervento in esterno dal titolo Death and Fertility, ideato dall’artista italiano Daniele Geminiani con il supporto della fotografa e curatrice inglese Leah Gordon. Il padiglione della Rebubbica di Haiti renderà omaggio a Edouard Glissant, scrittore e filosofo caraibico di recente scomparsa.
La mostra DEATH AND FERTILITY presenterà le opere di tre artisti di Port-au-Prince che fanno parte del gruppo Atis Rezistans (“resistenza artistica” in creolo), un collettivo di scultori della Gran Rue. La mostra Death and Fertility sarà allestita all’interno di due container per il trasporto marittimo da 40 piedi (12.19 m), disposti perpendicolarmente l’uno all’altro a formare una croce a T. Scegliendo due colori standard come il rosso e il blu, in cui sono disponibili la maggior parte dei container in commercio, il padiglione si riferisce inoltre ai colori della bandiera di Haiti. Progettare il padiglione all’esterno in una struttura temporanea come i container marittimi si relaziona alla realtà sociale, nazionale, culturale ed economica di Haiti, la cui storia è stata segnata dal commercio internazionale e dallo sfruttamento. Allo stesso tempo questo elemento rimanda al fatto che gli artisti in mostra provengono da un quartiere molto povero di Port-au-Prince che si trova nelle vicinanze del mare e del porto.
Titolo della Mostra: HAÏTI ROYAUME DE CE MONDE (Haiti kingdom of this world)
Artisti Partecipanti: Sergine André / Elodie Barthelemy / Mario Benjamin / Maxence Denis /Edouard Duval-Carrié / Frankétienne / Guyodo / Sébastien Jean / Killy / Tessa Mars / Pascale Monnin / Paskö / Barbara Prézeau / Roberto Stephenson / Hervé Télémaque / Patrick Vilaire
Commissario: Fonds de dotation agnès b and Institut Français Commissario aggiunto: Régine Estimé (Service Culturel de l’Ambassade d’Haïti en France)
Curatore: Giscard Bouchotte
Comitato scientifico: Carlo A. Célius, Eduard Duval-Carrié
Project Manager: Mary Zurigo
Un anno dopo il sisma di Haiti del 12 gennaio 2010, che è costato quasi 300.000 vite e ha causato ingenti danni, gli artisti haitiani non vengono considerati con alcuna priorità. Se FOKAL, una delle rare istituzioni con mezzi proporzionati ai suoi progetti, è stata risparmiata, il Ministero della Cultura e gli spazi culturali di Port-au-Prince non hanno resistito: i musei, le gallerie, i centri d’arte non saranno operativi ancora per qualche tempo. Questa mostra avrà come merito di evitare qualsiasi tentativo di commiserazione. Poiché non si tratta di arrivare a Port-au-Prince con dei barattoli di vernice. Gli artisti hanno soprattutto bisogno di condizioni di lavoro dignitose; di essere presi in considerazione prima di tutto in una dimensione locale (Caraibi) e di integrarsi nei circuiti delle grandi manifestazioni artistiche e delle biennali internazionali. Questa mostra presenta i creatori haitiani al mondo, sotto una nuova luce.
Padiglione dell’India
Padiglione dell’India alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia
Titolo dell’esposizione: Tutti sono d’accordo: Sta per esplodere…….
Espositori: Zarina Hashmi, Praneet Soi, Gigi Scaria e The Desire Machine Collective (Sonal Jain e Mriganka Madhukaillya)
Commissario: Ranjit Hoskote
Curatore: Ranjit Hoskote
Sede: Arsenale (Artiglierie)
Partecipazione della Lalit Kala Akademi, New Delhi (L’Accademia Nazionale di Arte dell’India) alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia
La storica occasione del primo padiglione nazionale dell’India alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia che sarà organizzato dalla Lalit Kala Akademi, l’Accademia Nazionale di Arte dell’India, e curato dal poeta e teorico culturale Ranjit Hoskote – fornisce un’opportunità per allargare l’idea dell’India. Questo padiglione si avvicinerà a questa idea attraverso le metafore della pratica trans culturale, della migrazione e della contaminazione reciproca. Certamente questo padiglione è concepito per servire come un laboratorio in cui metteremo alla prova alcune posizioni chiave riguardanti il panorama artistico Indiano contemporaneo. Attraverso di questo, saremo in grado di vedere l’India come un’entità concettuale che non è basata solamente nel territorio, ma che si estende anche in uno spazio globale dell’immaginazione.
L’obiettivo di Hoskote, nel selezionare gli artisti, è di rappresentare un insieme di pratiche artistiche concettualmente rigorose ed esteticamente ricche, che vengono esibite parallelamente al mercato dell’arte. Oltretutto queste pratiche non sono ancora state valorizzate dal sistema delle gallerie e dal circuito delle aste.
La manifestazione indiana si concentrerà poi su di posizioni artistiche che enfatizzano la natura di interculturale della produzione artistica contemporanea: parte dell’arte più significativa che viene creata oggi attinge ad una diversità di luoghi, a differenti economie di produzione dell’immagine e a svariati contesti storico-culturali.
I quattro artisti/ gruppi di artisti scelti per rappresentare l’India in questo padiglione sono:
1. Zarina Hashmi (stampatrice e artista di materiali misti; nata ad Aligarh nel 1937; ora vive e lavora a New York)
2. Praneet Soi (pittore, scultore, video artista; nato a Kolkata nel 1971; ora vive e lavora ad Amsterdam e Kolkata)
3. Gigi Scaria (pittore, scultore, video artista; nato a Kothanalloor in Kerala, nel 1973; ora vive a New Delhi)
4. The Desire Machine Collective (Sonal Jain, nata a Shillong nel 1975, e Mriganka Madhukaillya, nata a Guwahati nel 1978; DMC è un collettivo mediatico con sede a Guwahati, Assam e lavora attraverso progetti di film, installazioni e per lo spazio pubblico)
Queste posizioni artistiche sono state scelte dopo una considerevole valutazione, sia per il loro indiscusso merito in quanto artisti contemporanei, sia perché articolano diversi orizzonti ideali e gruppi costituenti, cosa che diventa vitale quando si è incaricati di fare delle scelte che riflettano la vasta pluralità dell’India.
Questi artisti sono trans culturali nella portata delle loro concezioni e della loro pratica, ancora ancorate ad un forte impegno verso la specifica dinamica storica dell’Asia del Sud. Presi assieme essi impersonificano impulsi da diverse modalità regionali, lignaggi religiosi, contesti sotto-culturali, scelte estetiche e prospettive filosofiche, all’interno della più ampia formazione dell’India.
La Lalit Kala Akademi è stata in prima linea nel sostenere ed esibire la ricchezza visuale dell’India attraverso tali occasioni. Ha a suo credito il mandato di organizzare un importante festival periodico di arti visive, la Triennale India, fondata nel 1968 dallo scrittore visionario e critico Mulk Raj Anand come contributo dell’India alla creazione di un discorso storico-artistico globale presentato da una prospettiva non-occidentale. La Triennale India è stata manifestata attraverso 11 edizioni di successo.
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Padiglione dell’Iraq
Gli artisti iracheni contemporanei non hanno mai avuto la possibilità di presentare il loro lavoro per un padiglione iracheno alla Biennale di Venezia; la prima e ultima rilevante comparsa, nel 1976, ha mostrato solo alcuni dei loro artisti “moderni”. Il padiglione dell’Iraq del 2011 vuole presentare al mondo una stimolante selezione di 6 artisti da due generazioni, che comprendono diverse discipline artistiche (pittura, performance, video, fotografia e installazione).
Ali Assaf, Commissario per il Padiglione dell’Iraq 2011
Padiglione dell’Iraq alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia
Titolo dell’Esposizione: Acqua Ferita / Wounded Water. Sei artisti iracheni interpretano il tema dell’acqua
Commissario: Ali Assaf Co-Commissario: Vittorio Urbani
Curatore: Mary Angela Schroth
Organizzazione: Nuova Icona / Sala 1 Media Partner: Canvas Magazine
In collaborazione con: Ambasciata dell’Iraq in Italia, Rappresentanza dell’Iraq nelle Nazioni Unite a Roma, Ministero della Cultura in Iraq, Arab Fund for Arts and Culture, MerchantBridge Bank e il Patrons Committee del Padiglione dell’Iraq.
Sede: Fondazione Gervasuti, Fondamenta S. Ana (Via Garibaldi) Castello 995, tra i Giardini e l’Arsenale
Apertura al Pubblico: dal 4 giugno al 27 novembre 2011 ore 10-18 tutti i giorni tranne i lunedì
Inaugurazione: 2 giugno 2011 dalle ore 19 alle ore 21
Questo è un periodo straordinario per l’Iraq. Il progetto di creare un padiglione ufficiale per la 54. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia nasce da un incessante lavoro di squadra iniziato nel 2004. Avviene storicamente in un periodo di gran rinnovamento, dopo oltre 30 anni di guerre e di conflitti.
Il Padiglione dell’Iraq accoglierà sei artisti contemporanei iracheni di fama internazionale che si caratterizzano per una ricerca artistica sperimentale dovuta all’esperienza sia dentro che fuori il loro paese.
Questi artisti, dopo aver studiato arti visive a Baghdad, hanno completato il percorso artistico in Europa e negli Stati Uniti. Rappresentano due generazioni: la prima, nata nei primi anni ‘50, ha vissuto sia l’instabilità politica che la ricchezza culturale di quel periodo in Iraq. Ali Assaf, Azad Nanakeli e Walid Siti erano già attivi durante gli anni ‘70, nel periodo di creazione del socialismo politico che ha segnato la loro formazione. La seconda generazione, che include Adel Abidin, Ahmed Alsoudani e Halim Al Karim, è cresciuta durante il dramma della guerra Iran-Iraq (1980-1988), l’invasione del Kuwait, la schiacciante sanzione economica delle Nazioni Unite e il successivo isolamento artistico. Questi artisti, usciti dal paese prima dell’invasione del 2003, trovano rifugio in Europa e negli USA grazie anche ad un connubio di fortuna e capacità artistiche. Tutti i sei artisti hanno, dunque, un’identità forgiata da una pratica artistica contemporanea che congiunge la situazione globale alla particolare esperienza irachena e rappresentano un approccio sofisticato e sperimentale di portata internazionale. I sei artisti eseguiranno opere in situ, ispirate sia agli spazi della Gervasuti Foundation che alla tematica dell’acqua. Questo è un argomento attuale in quanto la mancanza di un bene primario come l’acqua è una delle maggiori emergenze in Iraq, più della guerra civile e del terrorismo. Sarà anche proiettato un documentario a cura di Rijin Sahakian che affronta la vita d’alcuni giovani artisti che vivono oggi in Iraq. Il padiglione dell’Iraq è stato realizzato grazie a Shwan I. Taha e Reem Shather-Kubba / Patrons Committee, MerchantBridge Bank, e con il contributo di privati ed enti pubblici, di varie istituti governativi iracheni e il generoso supporto dell’Arab Fund for Arts and Culture. Patrono Onorario è l’architetto Zaha Hadid.
info: www.pavilionofiraq.org T. +39 067008691 F. +39 3392397762 (Sala 1) T. +39 335320548 (Nuova Icona)
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