POSTWAR. ITALIAN PROTAGONISTS – PEGGY GUGGENHEIM COLLECTION – VENICE

Rodolfo Aricò, Assonometria rossa, 1967, olio su tela, 125x92 cm © Archivio Rodolfo Aricò, Milano, Courtesy A arte Studio Invernizzi, Milano Foto Bruno Bani, Milano

Rodolfo Aricò, Assonometria rossa, 1967, olio su tela, 125×92 cm – © Archivio Rodolfo Aricò, Milano, Courtesy A arte Studio Invernizzi, Milano
Foto Bruno Bani, Milano

From March 13, the Peggy Guggenheim Collection’s galleries, adjacent to the exhibition Postwar. Italian Protagonists (February 23 – April 15 2013) curated by Luca Massimo Barbero and dedicated to five major figures of Italian art after World War II, host Gianni Mattioli Collection. Early 20th Century Italian Art. In addition to the celebrated Mattioli Collection, which has been on deposit at the Peggy Guggenheim Collection since 1997, the exhibition presents numerous other works by Italian artists of the early 20th century. It amounts to a historic prologue and setting for the postwar avant-garde art exhibited nearby. Major works of Italian Futurism and Metaphysical painting testify to the vitality of Italian art in the second decade of the 20th century.

The exhibition, installed by Philip Rylands, director of the Venice museum, opens with an Ecce Puer (1906 c.) in wax by Medardo Rosso, paintings by the young Giorgio Morandi, including his homage to Cézanne, Fragment (1914) and his first masterpiece Bottle and Fruitbowl (1916), and a Parisian portrait by Amedeo Modigliani, Portrait of the painter Frank Haviland (1914). Metaphysical painting follows, with canvases by Giorgio de Chirico, including The Red Tower (1913), the young artist’s first sale, Carlo Carrà, and several works by Mario Sironi, such as his Cyclist (1916), a key work in the artist’s early career donated by Giovanni and Lilian Pandini to the Solomon R. Guggenheim Foundation, and one of his much admired Urban Landscapes (1921). Following this comes the Futurist explosion, with renowned masterpieces such as Materia (1912) and Dynamism of a Cyclist (1913) by Umberto Boccioni, Mercury passing before the Sun (1914) by Giacomo Balla, Interventionist Demonstration (1914) by Carlo Carrà, Blue Dancer (1912) by Gino Severini, as well as Severini’s Sea=Dancer (1912) in the Peggy Guggenheim Collection. No fewer than three of Boccioni’s known sculptures are on view Dynamism of a Speeding Horse + Houses (1915), Unique Forms of Continuity in Space (1913) and Development of a Bottle in Space (1913), in addition to pre-futurist works by Boccioni such as Field near Padua (1903) e Contre-jour (1910), both in private collections.

Marinetti’s polemical founding manifesto of Futurism in 1909, which concluded with the proclamation “Erect on the summit of the world, once again we hurl defiance to the stars”, was at first intended as a literary movement (“Courage, audacity, and revolt will be essential elements of our poetry”), but at the same time was an incitement, through a total break with tradition, to a radical renewal of all aspects of Italian culture, praising speed, dynamism, and new technology. The following year, February 11 and April 11, 1910, five artists signed, on two separate occasions., the Manifesto of the Futurist Painters: Balla, Boccioni, Carrà, Russolo and Severini—all of them represented with major works in the Mattioli Collection, and in the new installation now on view at the Peggy Guggenheim Collection.

Umberto Boccioni Study for The City Rises, 1910. Gianni Mattioli Collection

Umberto Boccioni Study for The City Rises, 1910. Gianni Mattioli Collection


The exhibition “Postwar. Protagonisti Italiani“, February 23 to April 15, at the Peggy Guggenheim Collection, Venice, presents a special section dedicated to artist Rodolfo Aricò, curated by Luca Massimo Barbero.

This exhibition of Aricò’s work represents a ‘return’ to Venice, a reprise of his frequent engagement with a city which was the setting for some crucial episodes in his career, from a major exhibition at Palazzo Grassi in 1974 to his repeated participation in the Venice Biennales—in 1964, 1968, 1980 and 1986.

Rodolfo Aricò (Milan, 1930-2002) was one of the most original figures in Italian art of the second half of the twentieth century. His career, from the late 1950s to the opening years of the third millennium, was conducted with a singular, highly inventive coherence which prompted an incessant renewal of his art, perfectly in tune with the visual research and avantgardes of his time.
The works at the Peggy Guggenheim Collection are selected from the period 1966 to 1970 – a seminal phase of the maturation of his expressive language, witnessing the definition of his “object-paintings”: shaped canvases that the artist developed in dialogue with the international tendency in those years towards distillation and reduction, from the Post-painterly Abstraction of Morris Louis and Kenneth Noland to the structural and primary forms of Minimalism by Donald Judd and Sol LeWitt.
Aricò’s “object-paintings” originated from a sweeping, retrospective contemplation, cast from a clearly defined contemporary viewpoint, of European visual culture of the past: a gaze backwards beginning with the historical avantgardes of the early twentieth century – the Orphic and dynamic Cubism of Robert Delaunay, which inspired the first configurations predicated on the circle, and the Suprematism of Kazimir Malevich, with its complex geometry of orthogonal and fugitive shapes – and ending with Renaissance perspective in the painting of Paolo Uccello.
Aricò’s work was characterized by a rational and expressive syntax combining structural rigor and chromatic sensitivity. In developing his personal creative vision, from the close of the 1950s onwards, Aricò gave us what Francesca Pola has defined as an “elevated classicism of the contemporary”, in which awareness of and continuity with the history of European art merge with the ineluctable demand for renewal in the present.

For the occasion, a Italian-English monograph will be published, surveying Aricò’s historical-artistic research from 1964 until 1970, with essays by Luca Massimo Barbero and Francesca Pola.
The exhibition of Aricò’s work is in partnership with the Archivio Rodolfo Aricò.

Press office: Alessandra Valsecchi tel. 340 3405184 – ale.valsecchi@gmail.com

Piero Dorazio Unitas, 1965 Olio su tela, 45,8 x 76,5 cm Collezione Peggy Guggenheim, Venezia © Piero Dorazio, by SIAE 2013

Piero Dorazio, Unitas, – 1965 Olio su tela, 45,8 x 76,5 cmn- Collezione Peggy Guggenheim, Venezia © Piero Dorazio, by SIAE 2013

La Collezione Peggy Guggenheim presenta nell’ambito della mostra “Postwar. Protagonisti Italiani” dal 23 febbraio al 15 aprile 2013 a cura di Luca Massimo Barbero uno speciale approfondimento dedicato all’artista Rodolfo Aricò.

Con questa mostra, l’opera di Aricò fa ritorno a Venezia rinnovando il suo appuntamento ricorrente con una città che in più occasioni lo ha accompagnato nelle fasi cruciali del suo percorso, dall’importante antologica di Palazzo Grassi (1974) alle ripetute partecipazioni alla Biennale Internazionale d’Arte di Venezia (1964, 1968, 1980 e 1986).

Rodolfo Aricò (Milano, 1930-2002) è uno tra i più originali protagonisti dell’arte italiana della seconda metà del XX secolo: il suo percorso si snoda dalla fine degli anni Cinquanta agli inizi degli anni Duemila, con una singolare coerenza inventiva, che ha permesso, decennio dopo decennio, il  rinnovarsi del suo linguaggio espressivo, in ideale sintonia rispetto alle ricerche internazionali.
L’approfondimento a lui dedicato nelle sale della Collezione Peggy Guggenheim si concentra sulle opere dal 1966 al 1970 – in una fase cruciale della maturazione del suo linguaggio espressivo – che vedono la definizione della sua particolarissima pittura oggettuale: shaped canvases (tele sagomate) che l’artista sviluppa in un dialogo attivo con le indagini internazionali di riduzione espressiva di questi anni, dall’Astrazione Post-pittorica di Morris Louis e Kenneth Noland, alle volumetrie strutturali e primarie del Minimalismo di Donald Judd e Sol LeWitt.
L’origine delle forme di Aricò è una sorta di grande rimeditazione contemporanea della cultura visiva europea: un percorso a ritroso, che parte dalle avanguardie storiche d’inizio ’900 – il Cubismo orfico e dinamico di Robert Delaunay, che gli ispira le prime configurazioni arrotondate, e il Suprematismo deformante di Kazimir Malevich, che complica le strutture in una impostazione diagonale e sfuggente – per approdare alla relazione attiva con la pittura prospettica rinascimentale di Paolo Uccello.
Il lavoro di Aricò si caratterizza per una sintassi razionale ed espressiva, che coniuga rigore strutturale e sensibilità cromatica. Sviluppando la sua personale visione creativa a partire dalla fine degli anni ’50, il suo lavoro è esempio di quella che Francesca Pola definisce “alta classicità del contemporaneo”, nella quale la consapevolezza e la continuità delle radici storiche si coniugano all’esigenza ineludibile di rinnovamento in relazione al presente.

In occasione della mostra verrà pubblicata una monografia bilingue, in italiano e in inglese, che presenta il percorso storico-artistico di Rodolfo Aricò dal 1964 al 1970 corredato dai saggi introduttivi del curatore e di Francesca Pola.
Le sale dedicate a Rodolfo Aricò sono state realizzate in collaborazione con l’Archivio Rodolfo Aricò.

Informazioni stampa: Alessandra Valsecchi tel. 340 3405184 – ale.valsecchi@gmail.com

Paolo Scheggi (1940-1971) Intersuperficie curva bianca, 1963 Tre tele sovrapposte cm 60x80 Fondazione Solomon R. Guggenheim, Venezia Donazione Franca e Cosima Scheggi, 2012

Paolo Scheggi (1940-1971), Intersuperficie curva bianca, 1963, Tre tele sovrapposte, cm 60×80 – Fondazione Solomon R. Guggenheim, Venezia Donazione Franca e Cosima Scheggi, 2012

POSTWAR. PROTAGONISTI ITALIANI
23 febbraio – 15 aprile 2013
A cura di Luca Massimo Barbero

Lucio Fontana (1899- 1968), Piero Dorazio (1927-2005), Enrico Castellani (n. 1930), Paolo Scheggi (1940-1971), Rodolfo Aricò (1930-2002), sono i cinque indiscussi interpreti della mostra Postwar. Protagonisti italiani, alla Collezione Peggy Guggenheim dal 23 febbraio al 15 aprile 2013. Un percorso espositivo, a cura di Luca Massimo Barbero, che “rilegge” l’idea di arte italiana a partire dal superamento dell’Informale. Gli artisti presenti, utilizzando il linguaggio pittorico degli appena nati anni Sessanta, portarono agli occhi del pubblico internazionale la scena artistica italiana che tramite un nuovo modo di dipingere utilizzò la forza cromatica e la simbologia del monocromo come elementi visivi e concettuali. L’esposizione, che si sviluppa cronologicamente sala per sala, intende presentare al pubblico la sperimentazione di ciascun autore, dimostrando come, proprio a partire da Fontana, le generazioni successive abbiano raggiunto pienamente un linguaggio pittorico personale in un momento ben specifico della loro produzione, tra gli anni ‘60 e ’70 del XX secolo.

Postwar. Protagonisti italiani riserva al pubblico due preziosi momenti. Un particolare omaggio a Paolo Scheggi, artista toscano prematuramente scomparso, che il grande pubblico riscopre in questa occasione riconoscendone l’attualità di sperimentatore dalla profonda sensibilità artistica, in mostra con otto lavori, tra cui Intersuperficie curva bianca del 1963, opera recentemente donata al museo veneziano da Franca e Cosima Scheggi. Uno speciale approfondimento è riservato a Rodolfo Aricò, in concomitanza con la realizzazione di una pubblicazione sulla sua produzione artistica degli anni ’60, a cura dell’Archivio Rodolfo Aricò, grazie alla cui collaborazione sono state realizzate le due sale a lui dedicate.